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PRAIRIE INTERLACE: INTRODUCTION

 
 
 
 

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Prairie Interlace: Weaving, Modernisms and the Expanded Frame, 1960–2000 looks back to the explosion of innovative textile-based art on the Canadian prairies during the second half of the twentieth century.

With a focus on weaving and other interlace practices, such as rug hooking and crochet, the exhibition examines how artists of diverse backgrounds wove new histories of fibre during a period of intense energy and collective creativity. This touring exhibition, a collaboration between Nickle Galleries (Calgary, AB) and the MacKenzie Art Gallery (Regina, SK), features sixty artworks by forty-eight artists and draws on public and private collections from across Canada.

The warp and weft of this history are held taut by a number of creative tensions. Prairie weavers and other textile-based artists, like their ceramist counterparts, challenged traditional craft definitions and engaged with painting, sculpture, and architecture. Internationally, interest in experimental approaches to fibre art and weaving reached its highwater mark, led by the influential Lausanne International Tapestry Biennials (1961–1995), MoMA’s Wall Hangings exhibition (1969), and publications such as Mildred Constantine and Jack Lenor Larsen’s Beyond Craft: The Art Fabric (1972). New ideas were brought home and disseminated by prairie artists traveling on the international stage, as well as through the steady stream of international luminaries who led workshops at the Banff Centre, a major fibre hub. Like artists, craftspeople, and architects throughout Europe and North America, prairie artists were drawn to the warmth, materiality, and experimental potential of innovative weaving processes.

Yet the story cannot be reduced to a simple modernist narrative of a break with tradition leading to new liberatory possibilities. The persistence of techniques as taught in art schools and weaving guilds, the cultural knowledge brought to the prairies by European immigrants, and the renewed interest in traditional Indigenous practices, entwined with the modernist storyline. Feminist artists found in weaving, crochet, and other fibre arts a means to critique social and aesthetic hierarchies and expand the domestic frame. Indigenous artists found opportunities through rug hooking and weaving to pursue economic opportunities while celebrating aesthetic and cultural traditions. Interest was diffuse and diverse, encompassing both academic institutions in large cities and weaving guilds in smaller centres, monumental commissions for modernist towers and small-scale works produced on kitchen looms. Across the region, hubs of teaching and exchange emerged—the Alberta College of Art (now AUArts) in Calgary, the Banff Centre, the Saskatchewan School for the Arts in Fort Qu’Appelle, and numerous local guilds and clubs—where skills were honed and modernist ideas tested and translated.

Prairie Interlace retells this distinctive history through the interlaced narratives of art, craft, feminism, immigration, Indigeneity, regionalism, and architectural interior design. Borrowing the words of craft historian, Tanya Harrod, the goal is to recover and record “lost modernisms” connected with craft processes and the objects made largely by prairie women, newcomers, and Indigenous artists. The project, which includes a symposium, website, and publication, connects generations of artists, artists’ groups, guilds, scholars, and collectors and allows them to share their inspiring stories. It also allows us to appreciate, once more, how beautifully the artists wove into every fibre of their extraordinary works what they value about art, craft, history, culture, politics, and the land.

Michele Hardy, Julia Krueger, Timothy Long
Exhibition curators

 
 
 

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PRAIRIES ENTRELACÉES:
INTRODUCTION

 
 

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Prairies entrelacées: tissage, modernismes et cadre élargi, 1960–2000 se penche sur l’explosion de l’art textile novateur dans les Prairies canadiennes au cours de la deuxième partie du vingtième siècle.

Mettant en évidence surtout le tissage et d’autres pratiques d’entrelacement comme le crochet et les tapis crochetés, l’exposition examine comment les artistes de milieux variés tissent de nouvelles histoires de fibre pendant une période d’énergie intense et de créativité collective. L’exposition itinérante, une collaboration entre Nickle Galleries (Calgary, Alberta) et MacKenzie Art Gallery (Regina, Saskatchewan), comprend soixante œuvres de quarante-huit artistes et provient de collections publiques et privées à travers le Canada.

Plusieurs tensions créatives brident la chaîne et la trame de cette histoire. Les tisserands et autres artistes textiles des prairies, tout comme leurs homologues céramistes, défient les définitions traditionnelles d’artisanat et se dirigent vers la peinture, la sculpture et l’architecture. Sur le plan international, l’intérêt pour les approches expérimentales à l’égard de l’art de la fibre et du tissage atteint son apogée grâce aux influences des Biennales internationales de tapisserie de Lausanne (1961–1995), de l’exposition Wall Hangings du MoMA (1969), ainsi que de publications telles que Beyond Craft: The Art Fabric, (1972) de Mildred Constantine et Jack Lenor Larsen. De nouvelles idées surgissent et se disséminent, fruits de la présence des artistes des prairies sur la scène internationale, et de l’afflux continu de sommités internationales animant des ateliers au Centre des arts de Banff, principal centre pour la fibre. Au même titre que les artistes, artisans et architectes d’Europe et d’Amérique du Nord, les artistes des prairies sont attirés par la chaleur, le caractère substantiel et les possibilités expérimentales des nouvelles méthodes de tissage.

Cependant, on ne peut réduire à sa simple expression moderniste l’histoire d’une rupture avec la tradition pour aboutir à de nouvelles possibilités libératrices. Le fait que les mêmes techniques sont toujours enseignées dans les écoles d’art et les guildes de tissage, l’apport des connaissances culturelles des immigrants européens et l’intérêt renouvelé pour les pratiques traditionnelles autochtones, entrelacent la trame moderniste. Le tissage, le crochet et les autres arts textiles donnent aux artistes féminins un moyen de s’exprimer sur les hiérarchies sociales et esthétiques et d’élargir le cadre domestique. Les tapis crochetés et le tissage permettent aux artistes autochtones d’explorer des débouchés économiques tout en célébrant leurs traditions esthétiques et culturelles. L’intérêt est diffus et varié, englobant à la fois les institutions universitaires dans les grandes villes et les guildes de tissage dans les centres plus petits, les commissions importantes pour les tours modernistes et les œuvres à plus petite échelle produites sur des métiers de cuisine. À travers la région, des centres d’enseignement et d’échange apparaissent, notamment le Collège des Arts de l’Alberta (aujourd’hui AUArts) à Calgary, le Centre des arts de Banff, la Saskatchewan School for the Arts à Fort Qu’Appelle sans oublier les nombreux guildes et clubs locaux où met à l’épreuve et traduit les idées modernistes.

Prairies entrelacées raconte cette histoire distincte à travers les récits entrelacés de l’art, de l’artisanat, du féminisme, de l’immigration, de la spécificité autochtone, du régionalisme et du design intérieur. Comme l’a dit Tanya Harrod, historienne en matière d’artisanat, l’objectif consiste à recouvrer et enregistrer « les modernismes perdus » reliés aux procédés d’artisanat et aux objets faits essentiellement par les femmes des prairies, les nouveaux arrivants et les artistes autochtones. Le projet, qui comprend un symposium, un site Web et une publication à venir associe des générations et des groupes d’artistes, des guildes, des érudits et des collectionneurs et leur permet de partager leurs histoires inspirantes. Elle nous permet aussi d’apprécier, une fois de plus, comment les artistes réussissent à tisser dans chaque fibre de leurs œuvres extraordinaires ce qu’ils valorisent dans l’art, l’artisanat, l’histoire, la culture, la politique et le paysage.

Michele Hardy, Julia Krueger, Timothy Long
Commissaires de l’exposition

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

curators:

 
 
 
 
 

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Michele Hardy

Hardy studied textiles and craft at Sheridan College School of Crafts and Design (Dip. 1984), Nova Scotia College of Art and Design (BFA 1985) and the University of Alberta (MA 1995) before turning to cultural anthropology at the University of British Columbia (PhD 2003). Joining Nickle Galleries at the University of Calgary in 2005, she has curated more than three dozen exhibitions with a particular emphasis on Alberta craft and textiles. Highlights include Sandra Sawatzky: The Age of Uncertainty, 2022; Shona Rae: Re-Imagined Narratives, 2018; Laura Vickerson: The Between, 2016, and John Chalke: Surface Tension, 2015. Hardy is an Adjunct Associate Professor for the Department of Art and Art History, University of Calgary and regularly teaches courses related to art and museum studies. Hardy regularly offers conference presentations and guest lectures and is the author of numerous book chapters, articles and exhibition catalogues. Recent publications include Embroidering Development: The Mutwa and Rann Utsav in Kutch, India. In Nakatani (Ed.) 2020 and Radical Access: Textiles and Museums (co-authored with Joanne Schmidt). Proceedings of the 16th TSA Symposium, 2018.

 
 
 

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Julia Krueger

Julia Krueger studied art history (BA, 2002) and Canadian art history (MA, 2006) at Carleton University in Ottawa, ON and ceramics (BFA, 2010) at the Alberta College of Art + Design (ACAD, now AUarts) in Calgary, AB. In 2020, she completed a Ph.D. in visual culture at the University of Western Ontario in London, ON and is currently the Permanent Collection Registrar with SK Arts.

In addition to her studies, Julia has maintained an active teaching, writing, curatorial and research practice grounded in material culture and craft theory with a focus on Canadian prairie craft. She has taught art history courses at the University of Western Ontario, Luther College, University of Regina and ACAD. Her writing has been included in Cahiers métiers d’art ::: Craft Journal; Crafting New Traditions: Canadian Innovators and Influence; The Encyclopedia of Saskatchewan and Studio Magazine. She has curated or conducted research for exhibitions such as Hansen-Ross Pottery: Pioneering Fine Craft on the Canadian Prairies; Keepsakes of Conflict: Trench Art and Other Canadian War-Related Craft; Tactile Desires: The Work of Jack Sures and Victor Cicansky: The Gardener’s Universe.

 

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Timothy Long

Timothy Long is a graduate of the undergraduate art history program at the University of Regina (B.A. Hons. 1986) and the graduate art history and criticism program at the State University of New York at Stony Brook (M.A. 1990). Long was appointed Head Curator at the MacKenzie Art Gallery in 2001, where he has worked for the last twenty-eight years. Over that time, he has developed expertise in curating and coordinating large, nationally touring exhibition of contemporary and historical Canadian art.

In 2005 he curated Regina Clay: Worlds in the Making, a nationally touring exhibition and online exhibition for the Virtual Museum of Canada examining innovative clay practices which emerged from Regina in the 1960s and 70s, including the work of Victor Cicansky. Most recently he co-curated the nationally touring retrospective David Thauberger: Road Trips & Other Diversions (2014–2016), which was a co-production with the Mendel Art Gallery/Remai Modern, curated Wilf Perreault: In the Alley (2014–2015), and co-curated Tactile Desires: The Work of Jack Sures (2011–14), which was a co-production with Tom Thomson Art Gallery.

He also coordinated the nationally touring retrospective of Saskatchewan artist Joe Fafard, a project which was a co-production of the MacKenzie Art Gallery and the National Gallery of Canada (2007–9).

 
 

Themes:

 
 
 
 
 

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The effects of modernism on the prairies are evident wherever you look. Industrialized agriculture, integrated rail and road networks, and a modern communications grid span the horizon.

Less visible are the social policies on labour, immigration, culture, and Indigenous relations that forever altered an entire region of Canada. These are the conditions which ground the artworks under consideration. The response of textile-based artists to these forces is reflected in the unique variety of themes that both characterize the weavings and other fibre art forms of this time, but also distinguish them from other regional centres. Prairie Interlace examines these themes under four broad headings.

Soft Power

During the second half of the twentieth century, fibre arts were routinely sought after by interior designers and architects to “soften” the stark and cold interiors of modernist buildings. Numerous monumental commissions were produced bringing the cultural traditions and landscapes of the prairies into centres of financial and cultural power. Two works in particular anchor the exhibition: Kaija Sanelma Harris’ multi-panel Sun Ascending, commissioned for Mies van der Rohe’s Toronto-Dominion Centre and Marge Yuzicappi’s Tapestry (Ta-hah-sheena), a work produced by the Sioux Handcraft Collective of Standing Buffalo First Nation for Minoru Yamasaki’s University of Regina Library.

Body Politics

Fibre artists have played a significant role in many of the cultural debates of the post-war period. Beginning in the 1970s, artists openly embraced fibre’s relationship to craft while also challenging the hierarchical and gender-based art/craft divide—which in turn expanded the domestic frame. Responding to successive waves of feminism, artists produced works that celebrate women’s bodies and experience, as well as engaging in critical discourses around gender. For Indigenous artists, rug hooking and weaving straddled marketing imperatives, calls to preserve traditional knowledge, and fresh creative impulses—a model of cultural adaptation and survivance.

Elemental Landscapes

For artists pursuing the expressive ideals of modernist abstraction in the 1960s and 1970s, weaving’s tactility allowed for the production of works whose impact could be felt, both literally and figuratively. Following the lead of European weavers, such as Magdalena Abakanowicz, prairie artists—including several first-generation immigrants with ties to European weaving traditions—wove elemental responses to the prairies, forests, and mountains. Many of their works incorporate innovative textural and three-dimensional effects— exposed warp threads, slits, erratic wefts, spun and unspun fibres. In some cases, use of natural materials, such as locally sourced wool or dyes from native plants, brings the land directly into the weaving.

Working On and Off the Grid

A harmonic resonance between the modernist grid of twentieth-century art, the survey grid of the prairies, and the ordered grid of the loom, is reflected in many of the works, giving them a subtle beauty. These abstractions, whether connected to landscapes or other ideas, invite contemplation of light, order, structure, and the diverse traditions to which these concepts are bound. For other artists, a questioning of the conventions of craft and art led to experiments with off-loom practices that move into three dimensions. Unconventional materials, such as leather, rabbit skin, spun dog hair, even condoms, and the use of off-loom techniques, such as macramé, crochet, and machine shrunken woolen goods, expanded the technical and conceptual language of weaving and opened new spaces of expression.

 
 
 
 
 
 
 

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Peu importe où le regard se pose, les conséquences du modernisme sur les prairies sont évidentes. L’industrialisation de l’agriculture, l’intégration des réseaux ferroviaires et routiers et la grille de communication moderne embrassent l’horizon.

Par ailleurs, les politiques sociales en matière de travail, d’immigration, de culture et les relations avec les Autochtones qui ont modifié pour toujours toute une région du Canada sont moins visibles. Ce sont ces conditions qui constituent l’assise des œuvres d’art à l’étude. La réponse des artistes textiles à ces forces se traduit dans la variété unique des thèmes qui caractérisent les tissages et les autres formes d’art textile de cette période, et les distinguent en même temps des autres centres régionaux. L’exposition Prairies entrelacées examine ces thèmes sous quatre grandes rubriques.

La manière douce

Durant la deuxième partie du vingtième siècle, les architectes et décorateurs d’intérieur ont cherché régulièrement des arts textiles dans le but « d’adoucir » les intérieurs des immeubles modernistes. De nombreuses commissions monumentales ont ainsi été produites, amenant les traditions culturelles et les paysages des prairies dans les centres du pouvoir financier et culturel. Cette exposition est tout particulièrement ancrée sur deux œuvres, notamment Sun Ascending œuvre à panneaux multiples de Kaija Sanelma Harris, commandée pour le Toronto-Dominion Centre de Mies van der Rohe et Tapestry (Ta-hah-sheena) de Marge Yuzicappi, produite par la société de gestion collective d’artisanat sioux de la Première Nation Standing Buffalo pour la bibliothèque de l’Université de Regina conçue par Minoru Yamasaki.

Politique du genre

Les artistes textiles ont joué un rôle important dans de nombreux débats culturels durant la période d’après-guerre. À partir des années 1970, les artistes ont utilisé ouvertement les fibres dans l’artisanat tout en remettant en question la division hiérarchique et fondée sur le genre entre l’art et l’artisanat, ce qui, en conséquence, a élargi le cadre domestique. En réaction aux vagues successives du mouvement féministe, les artistes ont produit des œuvres célébrant le corps et l’expérience des femmes tout en s’investissant dans les discours critiques sur les genres. Pour les artistes autochtones, les tapis crochetés et le tissage enjambant les impératifs de marketing, les appels à la préservation des connaissances traditionnelles et les nouveaux élans créateurs, sont devenus un modèle d’adaptation culturelle et de survivance.

Paysages élémentaires

Pour les artistes en quête des idéaux expressifs des abstractions modernistes des années 1960 et 1970, la tactilité du tissage permettait de produire des œuvres dont l’impact pouvait se faire sentir de manière concrète et abstraite. Suivant les traces des tisserands européens, dont Magdalena Abakanowicz, les artistes des prairies, y compris plusieurs immigrants de première génération ayant des attaches avec les traditions européennes, tissent en fonction des éléments de base comme les prairies, les forêts et les montagnes. Nombre de leurs travaux incluent des effets texturaux novateurs et trois dimensionnels, soit des fils de chaîne exposés, des fentes, des trames irrégulières, des fibres filées et non filées. Dans certains cas, l’usage de matières naturelles, comme la laine de source locale ou les pigments de plantes indigènes, ont amené le paysage directement dans le tissage.

Travailler sur ou hors grille

L’harmonie dégagée par la grille moderniste de l’art du vingtième siècle, la grille des levés dans les prairies et la grille ordonnée du métier, apparaît dans de nombreuses œuvres, et leur donne une beauté subtile. Ces abstractions, qu’elles soient reliées aux paysages ou à d’autres idées, invitent à la contemplation de la lumière, de l’ordre, de la structure et des diverses traditions auxquelles ces concepts sont liés. Pour d’autres, la remise en question des conventions, à savoir s’il s’agit d’artisanat ou d’art, les a amenés à faire l’essai de pratiques hors métier qui bougent en trois dimensions. Les matières originales comme le cuir, la peau de lapin, les poils de chien filés, voire des condoms, ajoutées aux techniques hors métier, comme le macramé, le crochet et les articles faits de laine rétrécie à la machine ont élargi le langage technique et conceptuel du tissage et ouvert de nouveaux espaces d’expression.

LES THÈMES